No resulta descarado afirmar que la capacidad creativa en el mundo audiovisual es cada vez más raquítica, por eso, cuando nos encontramos con algo realmente estimulante parece que estemos ante una suerte de delirio. Tras frotarnos los ojos varias veces y descubrir que no estamos soñando, empezamos a recomendar a nuestro círculo íntimo lo que acabamos de presenciar, como si estuviéramos frente a una aparición mariana -o un avistamiento ovni, para los no creyentes- de esas que estuvieron tan de moda el siglo pasado. Tras toparnos por sorpresa con How to with John Wilson (2020-2023) navegando por el ponzoñoso catálogo de HBO (ya hemos visto todas la producciones top de la plataforma), empezamos a leer en internet sobre un producto del que jamás habíamos escuchado hablar… y nos sentimos culpables y algo desesperados porque está a punto de estrenarse la tercera y última temporada de este delirante espectáculo de periodismo gonzo creado por el neoyorquino John Wilson.

Es difícil clasificar la serie documental que nos ocupa. John Wilson, cámara en mano y con su nasal voz en off presenta a lo largo de 18 episodios divididos en tres temporadas una serie de temas de lo más variopintos: Cómo montar un andamio, Cómo cocinar el risotto perfecto, Cómo observar aves, Cómo encontrar un baño público… Sin embargo, bajo esta premisa, en algún momento de cada capítulo hay un giro que acaba desencadenando un tema totalmente distinto al propuesto pero manteniéndolo, en cierto modo, a través de sus divertidas metáforas visuales.

Resultan especialmente interesantes los momentos en los que el protagonista acude a diferentes convenciones, no sólo en Nueva York, sino en otros lugares de los Estados Unidos. A modo de ejemplo y sin ánimo de estropear la experiencia a la audiencia, algunas de estas convenciones están dedicadas a coleccionistas de aspiradoras, fans de la película Avatar o “víctimas” del efecto Mandela. Del mismo modo aparecen una serie de personajes a cual más esperpéntico con los que Wilson pretende hacer una radiografía social y cultural -con mucho humor e ironía- de sus compatriotas.

Hay ciertas situaciones en las que nos cuesta creer que no sea todo un montaje, algo con lo que Wilson ha lidiado a lo largo de estas tres temporadas y con lo que juega en el penúltimo capítulo de la serie, donde nos hace plantear los límites de lo real e irreal en virtud del espectáculo. De todos modos es mejor subirnos a esta montaña rusa sin saber demasiado, dejarnos llevar y quedar atrapados por las historias que John Wilson nos ha explicado a lo largo de, desgraciadamente, tres únicas temporadas.

No puedo acabar esta reseña al estilo Wilson:
Soy Carlos Arnal. Gracias por leerme.
Y gracias John Wilson por haber creado algo tan fuera de lo común.

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– ¿Qué te llevó a ser guionista?

Con 13 años, en el instituto, vi un cartel sobre un concurso de cuentos. Yo no tenía dinero, y los premios económicos que daban al ganador y al finalista no recuerdo cuánto eran, no mucho, pero me venía igualmente genial. Se lo comenté al estudiante que estaba a mi lado, y éste me aconsejó que ni lo intentara, que siempre ganaban los “mayores” del último curso. Esa frase activó mi orgullo lo suficiente como para terminar de decidirme. Efectivamente, el primer premio lo ganó uno de los mayores. Pero yo gané el segundo, y el hecho de pensar que podía conseguir dinero a cambio de escribir me pareció increíble. Ahí comencé a desarrollar mi afición por la escritura de ficción. Los años pasaron y, tras terminar mis estudios de Comunicación Audiovisual decidí que quería probar a ganarme la vida escribiendo. Y como hacerlo de los cuentos o las novelas lo veía bastante complicado tras perder durante años muchos concursos literarios, pensé ingenuamente que quizás sería más fácil hacerlo escribiendo películas.

– ¿Cómo es tu proceso creativo y cuáles son tus fuentes de inspiración?

Podría estar durante horas explicando el proceso creativo. De hecho lo hago en las clases que doy en Escac desde 2013. Resumiéndolo enormemente, invierto un gran porcentaje del tiempo total del proceso en pensar en el proyecto sin escribir ni una palabra. Solo cuando todo ha tomado la forma suficiente en mi cabeza, entonces me pongo a escribir. Ahí ya entra una enigmática dosis de inspiración, no sé cuánto de talento, y, sobre todo, mucho, muchísimo, de técnica y oficio basados en la experiencia.

– 42 segundos (2022) dirigida por Àlex Murrull y Dani de la Orden es un sólido biopic sobre la selección de waterpolo española y su andadura en las Olimpiadas del 92. ¿Cómo fue el proceso de escritura de una historia basada en hechos reales y con un tono tan opuesto a tus anteriores trabajos?

El cambio de tono no me afecta porque, como te comentaba, me gustan casi todos. Lo que sí fue novedoso para mí fue contar una historia que, aunque está basada en los hechos reales, utiliza ingredientes rescatados directamente de lo que pasó. Lo viví con la intención de contar la mejor película posible, pero siempre sin hacer daño a nadie. Estábamos haciendo una película cuya finalidad es entretener al espectador a través de las emociones; por lo que no había ninguna necesidad de que nadie saliera herido. Así que, desde el inicio del proyecto, tuvimos a Pedro García Aguado y a Manel Estiarte informados de nuestras intenciones, y su predisposición y ayuda hizo que pudiéramos contar aún mejor lo que queríamos contar.

El día del preestreno me pasó una anécdota relacionada con esto: Hablando con Manel, le pregunté si, tras ver la peli, sentía que había tratado con respeto la tragedia que contamos sobre él en la peli (no spoilers). Se lo pregunté porque era lo que más me importaba en aquel momento. Y me respondió que sí, que podía estar tranquilo porque se sentía cómodo con cómo lo había tratado. Acto seguido, añadió que, por el contrario, en la película hacía que su personaje llevara a cabo una acción comprometida que él nunca hizo en la realidad, y por la que, desde el estreno, todo el mundo pensaría que sí la hizo. Por suerte me lo dijo bromeando. Es una persona muy inteligente y, desde el inicio del proyecto, tuvo claro que yo debería retorcer algunos eventos para que la peli funcionase.

– La película Blue Rai (2017) dirigida por Pedro B. Abreu con el que la co-escribiste fue todo un éxito de crítica repleto de guiños freaks. ¿Cómo surgió la idea?

Por aquel entonces Pedro trabajaba demasiadas horas en una productora y, cansado de no poder hacer algo suyo propio por la dificultad de conseguir el presupuesto necesario, se imaginó que un estudiante de cine, sin medios para rodar, secuestraba el videoclub donde trabajaba para aprovechar que tendría rehenes y a la poli cercándole, para así rodarse un corto con todo ya a mano. Esa idea fuimos trabajándola hasta que terminó siendo la historia que es ahora, ¡y que podéis ver en Filmin!

– También has sido guionista en series de televisión para TV3 –Citas (2016), La última noche del karaoke (2021)- enfocadas a un target principalmente millennial donde también podría encajar Blue Rai ¿Te encuentras especialmente cómodo escribiendo para esa audiencia? ¿Por qué?

En Citas entré en la segunda temporada, por lo que ya había un target que venía marcado por los jefes: Pau Freixas e Iván Mercadé. En cambio, sí fui co-creador de Blue Rai y de La última noche del karaoke y es cierto que pueden compartir público. Pero la verdad es que me siento cómodo escribiendo para casi cualquier audiencia. Porque creo que lo bonito de este oficio es disfrazarte cada día de un personaje distinto y vivir así infinitas vidas que en mi día a día es más complicado. A través de mis personajes he secuestrado un videoclub, he dejado la política por amor, he incendiado un karaoke, he ganado una medalla olímpica, he aparecido en un universo paralelo, me he teletransportado al cuerpo de un hombre del pasado, he sufrido el terror de una posesión diabólica… más todo lo que estoy viviendo ahora mismo desarrollando nuevos proyectos.

– ¿Te sientes más cómodo escribiendo comedia o drama? ¿Por qué?

Me siento cómodo con ambas. Pero sí creo que es cierto cuando se dice que la comedia es más difícil que el drama. Es más difícil de actuar, de dirigir y también de escribir. Son géneros distintos,y ello implica que siguen reglas (más bien recomendaciones) distintas, cánones únicos, modos de hacer diferentes. La comedia tiene de bueno que mientras escribo me río de mis propios chistes; pero sin embargo es más sensible en cuanto a la exposición: cuando das a leer un drama, puede que al lector le guste más o menos, pero cuando das a leer una comedia corres el riesgo de que no le haga gracia, y eso parece que duele más al ego.

– ¿Qué opinas del bloqueo creativo y la falta de ideas generalizada que impera hoy en día en el mundo audiovisual? (secuelas, precuelas, remakes, fórmulas poco originales).

Creo que el cine se divide en el cine de arte, y el cine de industria. A veces se tocan, pero no tiene por qué. El cine de industria se hace, más allá de otras intenciones, para ganar dinero. Y es normal que la industria caiga en repetir fórmulas con las que ya se han demostrado a sí mismos que pueden ganarlo. Luego ya que cada uno consuma lo que quiera. O, como autor, que cree lo que pueda. Sí pienso que, como creadores, es nuestra responsabilidad encontrar esa grieta por la que, aunque los excels de la industria nos encorseten, consigamos innovar.

– ¿Qué película o serie te hubiera gustado haber escrito? ¿Por qué?

En cuanto a series, Friends. Lo que consiguieron con esa serie es admirable a muchos niveles. En cuanto a creación de mecanismos de guión, diseños de personaje, tramas… en cuanto al número de espectadores, cómo ha marcado a varias generaciones… Yo tengo que ver al menos un episodio cada cierto tiempo porque echo de menos a los personajes. Es como si hubiera compartido apartamento durante muchos años con personas reales que se convirtieron en mis amigos, y ahora, por extrañas razones, no pudiera ir a visitarles para seguir viéndoles crecer. Es aterrador ahora que lo pienso XD. Empezó siendo una comedia y ahora es un sufrimiento.

Elegir una peli es más complicado, porque hay muchas. Pero voy a decir Barrio, de Fernando León de Aranoa. Porque hasta ese momento no había visto pelis que hablaran de un universo parecido al mío. Fue como que esa peli legitimaba mi mundo, como que Aranoa me hizo entender que las aventuras que yo vivía también servían para ser contadas en formato cine.

– Además de guionista también eres profesor de guión y dirección en ESCAC. ¿Cómo ves a las futuras generaciones de cineastas?

Depende un poco del año. Hay cursos donde me deprimo porque los veo más inactivos, menos transgresores, más conformistas. Pero hay otros donde pienso que el mundo tiene un futuro gracias a ellos. Y en particular el mundo del cine. Cuando yo estudié parecía que teníamos que pedir permiso para defender en nuestros cortos nuestros principios o el modo en el que entendíamos el mundo. Sin embargo, la mayoría de los alumnos de ahora tienen esa actitud irreverente y punki tan necesaria para hacer progresar cualquier aspecto de la vida, para no pedir permiso y contar lo que les da la gana, con nuevos modos de vivir la sexualidad o los esquemas románticos, por ejemplo; lo que sea que para ellos es importante aunque a otros más mayores les cueste entenderlo.

– Recientemente se ha desconvocado la huelga del sindicato de guionistas de América. Entre las cosas que reivindicaban era la manera de gestionar el uso de la Inteligencia Artificial en el mundo audiovisual. ¿Qué opinas al respecto como escritor y guionista?

He probado Chatgpt para medir cómo de preocupado debía estar con respecto a mis procesos creativos y por ahora estoy muy tranquilo. Puede, por ejemplo, hacerte una sinopsis de un argumento más extenso, pero es incapaz de darle tu tono, tu personalidad, incorporar tus vivencias, las emociones con las que viviste un evento y que es la base de cómo dotar de emoción a tu material. Si llega el día en que sea capaz de hacerlo, volvemos a hablar.

– ¿Puedes adelantarnos algo de tus próximos trabajos?

No puedo concretar porque son proyectos firmados con productores y que están en fase de desarrollo. Pero sí puedo contarte que estoy desarrollándolos bien acompañado de productores y plataformas, o sea que espero que no tarden en salir a la luz y podamos comentarlos.

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Los zapatos han sido una parte crucial de la vestimenta humana durante siglos, logrando un equilibrio entre funcionalidad y moda. La última tendencia en la industria del calzado es la llegada de los zapatos 3D, que ofrecen un  diseño único y visualmente llamativo. Con características adicionales que dan la ilusión de profundidad, estos zapatos no solo lucen geniales sino que también ofrecen comodidad. Desde tacones esculpidos hasta patrones impresos en 3D, estos zapatos están diseñados para llamar la atención y destacar.

Gracias a los avances en tecnología y materiales, los diseñadores ahora pueden experimentar con nuevas formas y diseños, creando zapatos que realmente destacan. Uno de los principales beneficios de utilizar la impresión 3D en la producción de calzado es la capacidad de reducir la necesidad de almacenar inventario. Con los métodos tradicionales de producción en masa, los zapatos se fabrican en grandes cantidades y en tamaños estandarizados, lo que genera exceso de inventario y desperdicio. Por el contrario, la impresión 3D permite la creación de zapatos bajo demanda, lo que reduce la necesidad de almacenar un gran inventario.

Otra ventaja de la impresión 3D en la producción de calzado es la capacidad de fabricar zapatos que se ajusten con precisión a los pies del cliente, en lugar de depender de tallas genéricas. Los zapatos tradicionales producidos en masa se limitan a unas pocas tallas estándar, que pueden no adaptarse cómodamente a todos los clientes. Con la impresión 3D, cada par de zapatos se puede personalizar para dar un paso hacia la innovación y el estilo: explorando el mundo de los zapatos 3D.

Los zapatos han sido una parte crucial de la vestimenta humana durante siglos, logrando un equilibrio entre funcionalidad y moda. La última tendencia en la industria del calzado es la llegada de los zapatos 3D, que ofrecen un diseño único y visualmente llamativo. Con características adicionales que dan la ilusión de profundidad, estos zapatos no solo lucen geniales sino que también ofrecen comodidad. Desde tacones esculpidos hasta patrones impresos en 3D, estos zapatos están diseñados para llamar la atención y destacar.

En conclusión, los zapatos 3D representan el futuro de la industria del calzado, ya que ofrecen un diseño único y atractivo, comodidad y la capacidad de reducir el desperdicio y mejorar la experiencia del cliente.

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EL AÑO EN EL QUE EL PLATEADO VENCE AL DORADO

Otro aspecto que considerar como primordial es conocer con antelación si el color plata nos favorece o no, puesto que, si no nos favorece, no va a aportar en positivo las cualidades en imagen y en belleza que nos ayuden a potenciar o a resaltar nuestra imagen, por lo que habremos obtenido el efecto contrario al deseado.

Las tendencias hay que mirarlas siempre con lupa, y no por el hecho que una prenda o un color sea tendencia existe la necesidad imperial de adquirirla.

En este caso, aunque el color plata sea el gran vencedor del color dorado, no podemos olvidar que el color dorado también está pisando con fuerza esta temporada y que hay muchas personas a las que es el color dorado el que realmente les va a sumar y a potenciar su belleza por lo que mi consejo sería la apuesta por el dorado en estos casos.

Consejo: El color plata vence al color dorado en la pasarela, en vuestros guardarropas siempre ha de vencer el color que realmente potencie todas vuestras cualidades en imagen y en belleza.

@cristinacalvo.shop. Styling & Shopping

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Ruben Östlund, el director sueco de la flamante ganadora de la Palma de Oro de Cannes de la pasada edición, decía en una entrevista reciente que “detestaba” el cine de autor. Una declaración cuanto menos sorprendente para un autor que ya ha ganado dos veces -también lo hizo en 2017 con The Square- el premio más glamuroso de la industria cinematográfica. ¿Falsa modestia?

En El tríangulo de la tristeza, que también ha sido nominada a tres Oscar (mejor película, dirección y guión original) nos encontramos ante un desfile de freaks (o no tanto) salidos del Mac de Östlund a cuál más patético. Estereotipos de la era digital, la cinta coral nos presenta a una pareja de modelos/influencers Carl y Yaya, interpretados por Harris Dickinson y la tristemente fallecida Charlbi Dean que pasan unos días de relax a bordo de un yate capitaneado por un capitán alcohólico y marxista (Woody Harrelson). Allí se encontrarán con personajes caricaturescos que van desde una entrañable pareja de jubilados británicos cuya fortuna se debe a la fabricación de granadas hasta un oligarca ruso que ha hecho fortuna vendiendo mierda (sic) y cuya mujer es feliz ordenando a los miembros de la tripulación que se den un chapuzón por el simple hecho de que “quien paga manda”. Un clímax escatológico durante la combinación cena + temporal es el punto de inflexión de esta, para nada sutil, delirante comedia.

Lucha de clases, patriarcado, hipocresía o los pecados de la era digital son algunos de los temas que giran en torno a la película de Östlund que por desgracia pierde fuelle en un último tercio al brindarnos situaciones excesivamente trilladas para un público que ya sabe de qué va la película.

Tal vez el mayor logro de la cinta sea acercar a las masas de forma “intelectual” unas situaciones de las que todos somos partícipes -en mayor o menor medida- y hacernos reflexionar sobre el mundo que estamos forjando a base de dosis infinitas de estupidez social y moral, al estilo de la genial serie de HBO The White Lotus pero sin alcanzar su maestría.

El triángulo de la tristeza gustará especialmente a nihilistas inconfesos, portadores de camisetas de Che Guevara y seguidores de Berlanga. Que se abstengan adictos a la devoción o instagramers, aunque es probable que estos últimos no se enteren de nada a pesar de la necesidad del autor en remarcar todos y cada uno de los chistes de su extenso metraje.

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– ¿Cuál es el camino que te llevó a la dirección de arte?
Tengo interés por el mundo artístico desde pequeño. Soy de Sueca (Valencia) y allí se hace una muestra internacional de teatro de calle donde han participado compañías de la talla de Comediants o La Fura del Baus, por citar sólo un par. Inspirados por esos espectáculos, un primo mío y yo creamos una pequeña empresa teatral con la que ya hemos ganado tres premios Max, así que no se nos dio mal [risas]. Otro momento clave fue en el instituto, cuando quedé fascinado al ver un storyboard. Mis inquietudes creativas y mi pasión me llevaron al mundo audiovisual. Recuerdo una primera etapa de aprendizaje viendo making ofs y desear formar parte de aquellas producciones. Sin ir más lejos, el proyecto que me ha dado reconocimiento internacional ha sido La casa de papel (2017-2021) pero ya era fan de Vis a Vis (2015-2019) antes de participar en las producciones de Vancouver Media. Empecé haciendo un corto y por cosas del destino acabé trabajando en La casa de papel… Por currículum tal vez no era el más preparado, pero seguro que era de los que más deseaban formar parte de aquel equipo.

– ¿Cuáles son tus fuentes de inspiración?
Muchísimas [risas]. En una producción tengo que amoldarme a un proyecto, texto, guión… y ayudar a recrearlo en imágenes, dotarlo de emociones mediante unos colores, diseñar un espacio y ejecutarlo. Para ello necesito absorber cualquier fuente. Hace unos años hice la escenografía de la obra de teatro Goodbye Barcelona, que gira en torno a brigadistas internacionales durante la Guerra civil y más tarde estaba en una serie donde los protagonistas son una banda que planea atracar un banco [La casa de papel]. En ella predominaba el rojo y lo acompañé de colores terciarios para que nada limitase la fuerza de ese rojo tan característico. Con esto quiero decir que cada proyecto es un mundo y la experiencia es clave para dotar a esos mundos de unas características particulares… aunque confieso que tengo un interés especial por el hipercolorismo y todo aquello alejado del naturalismo.

– ¿Cómo afrontaste el diseño de arte en ‘Sky rojo’ tras el éxito de ‘La casa de papel’?
Veníamos de un exitazo y me encargaron un nuevo proyecto con Vancouver Media en el que tenía que mantener el sello visual pero a su vez ser diferente. Como las protagonistas iban a ser mujeres, para la creación del burdel, por ejemplo, me basé en una geometría circular. Para mí el círculo simboliza la parte femenina, así que lo adapté a un estilo art déco tipo Miami con tonos pastel pero más atrevidos y los mezclé a su vez con arquitectura brutalista. Fue un concepto muy atrevido pero entusiasmó a nuestros clientes. Pero no todo acabó allí; también tuvimos que diseñar el interior, jugar con la iluminación, los neones… fue muy interesante.

– «La casa de papel» fue un gran boom tanto a nivel nacional como internacional. ¿Imaginaste el algún momento a los inicios del proyecto que llegaría a tener tanta importancia?
En un principio no, de hecho no fue hasta que vimos los índices de audiencia que empezamos a creerlo… eso y que los episodios en Antena 3 acababan cada vez más tarde por culpa de la publicidad. Hasta mis padres me decían: “pero Abdón, la serie dura hasta la 1 de la madrugada con tantos anuncios” [risas]. Luego ves que se está vendiendo a nivel internacional y entiendes que va a ser un fenómeno de masas, pero también te voy a decir que cuando llevas años en la profesión sabes que son los proyectos en los que más se sufre los que van a tener mejor acogida porque estás plantando una semilla que después germinará de una forma más bonita. Por ejemplo con la película La novia (2015) de Pablo Ortiz se sufrió mucho pero tuvo una gran repercusión; también recuerdo un cortometraje en el que participé al principio de mi carrera, La victoria de Úrsula (2012) de Nacho Ruipérez donde acabé llorando, literalmente, porque nos pasábamos más de doce horas diarias trabajando. Claro que éramos 12 personas, en Berlín, el spin-off de La casa de papel somos más de 50 personas en el departamento.

– A raíz del reconocimiento internacional y haber fichado por Netflix, ¿ha aumentado el grado de exigencia de la producción?
Desde el momento en que el cliente directo es Netflix trabajas de una forma más efectiva. El proyecto en el que estoy trabajando ahora empezó en junio del año pasado y finalizará en junio de 2023. Doce meses para una sola temporada de ocho episodios. Al final la historia te puede gustar más o menos pero detrás hay un gran presupuesto donde se tiene que notar el nivel en cuanto a decorados, escenas de acción, guión… También somos más en el equipo y eso facilita las cosas en cuanto a tiempos pero a nivel psicológico se hace más complicado. Tienes que dar lo mejor de ti mismo, esforzarte más en tu misión de comunicar a los demás miembros del departamento lo que realmente necesitas.

– Has participado en tanto en series como largometrajes ¿Dónde te encuentras más cómodo?
Una película es un guión con un único director, por lo que sientes que la acompañas mejor. No es que no acompañes bien una serie, pero en una temporada de varios capítulos hay más directores, opiniones, puntos de vista… Los ritmos son un poco más frenéticos. Ahora mismo estoy de lleno en una serie de ocho episodios y es como si fueran ocho películas.

– También trabajaste en la tercera temporada de ‘Penny Dreadful’. ¿hay mucha diferencia a la hora de trabajar en una producción internacional a una nacional?
Lo único que cambia es la época, el contenido o el concepto visual en el que transcurre la historia. En este caso dimos soporte al segmento de la historia que transcurre en España y te das cuentas que es una ayuda que se valora mucho. Cuando viajo por el mundo para trabajar en una producción, le doy mucha importancia a estos equipos de soporte. Sí es cierto que trabajar en producciones de época parece que enriquece más visualmente, pero al final lo que importa es adaptarte a los intereses de cada proyecto.

 
– ¿Tienes alguna preferencia a la hora de crear ambientes presentes, pasados o futuros?
Al ser creador de atmósferas visuales, cuanto más trabajo tienes que desarrollar, más disfrutas. En una película de época como The Promise (2016) necesitas un nivel de documentación mucho más extenso por lo que en lugar de desarrollarlo desde el disfrute lo desarrollas desde el agobio [risas].

– De todas las producciones en las que has participado ¿tienes alguna favorita?
El cortometraje La victoria de Úrsula (2012), del que he hablado antes, porque supuso el inicio de todo lo que vino después… fue el proyecto que me hizo arrancar. También tengo mucho cariño a las películas Un monstruo viene a verme (2016) y The Promise (2016) porque fueron las dos cintas que me hicieron sentir que ya estaba dentro de la industria, las que me hicieron comprender que estaba ayudando a cineastas de gran reconocimiento internacional y que gracias a eso tendría la posibilidad de trabajar en proyectos todavía más grandes.

– ¿Y alguna en la que no has participado pero te hubiera gustado formar parte?
Muchísimas, sin ir más lejos la recién estrenada Babylon, por la manera como se recrea la edad dorada de Hollywood o Juego de tronos que para mí tiene una dirección de arte espectacular.

– ¿Qué consejos darías al Abdón que acaba de empezar en la escuela de cine?
Que no cambie de rumbo y que mantenga la misma energía para conseguir todos sus objetivos en la industria… que se esfuerce para mantener la misma ilusión día a día. Es muy importante que no te levantes un día y digas: “esto no me gusta, esto está pudiendo conmigo”.

– ¿Puedes decirnos algo de tus próximos proyectos?
Estoy trabajando en un nuevo proyecto para Netflix producido por Vancouver Media titulado El búnker, una utopía donde la sociedad vive bajo tierra y que me va a permitir ser muy creativo. También tengo pendiente una serie de producciones para Arabia Saudí y Oriente Medio que van a tener mucha repercusión.

Muchas gracias Abdón por tu tiempo. Estaremos a la espera de ver tus nuevos proyectos.

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STYLING & TRENDS SPRING-SUMMER 2023. (Viktor & Rolf -Alta Costura-París)

Cada temporada llegan nuevas tendencias que inundan las pasarelas, y hemos de estar muy atentos porque ni todas las propuestas llegan a convertirse en moda, ni todas las prendas son adecuadas a nuestra silueta y estilo. Buen ejemplo de alta costura en pasarela ha llegado de la mano de los vestidos ópticos de ilusión de Viktor & Rolf en la moda de París de esta fotografía.

Estamos a punto de descubrir cuales son las sorpresas que llegan esta primavera-verano 2023 y antes de lanzarnos al fascinante mundo del shopping vamos a seguir una serie de premisas:

• Debemos conocer cual es nuestra silueta y por ende cuales son las prendas inferiores y superiores que van acorde a nuestro cuerpo y nos sientan realmente bien.

• Debemos saber cuales son los tejidos que mejor se adaptan a nuestra silueta y el volumen que aportan en nuestro cuerpo.

Las pautas de un buen asesoramiento de STYLING residen en saber analizar correctamente cuales son las prendas, los tejidos y los colores que mejores cualidades le van a aportar a nuestros clientes y que mejor se van a adaptar a su silueta, a su día a día y a su presupuesto.

Ahora que tenéis una pequeña pauta os adelanto que el SLIP DRESS pisa con fuerza: Las transparencias, los tejidos satinados, los vestidos lenceros, los encajes, la superposición encima de las prendas, y entallar las prendas resaltando la figura. Descubrimos la obsesión por mostrar el cuerpo en las telas a través del NAKED DRESS y la explosión de colores como el fucsia o el verde.

Ahora entenderéis que primero tenemos que conocer bien nuestra silueta, porque no todos los tejidos ni todas las prendas se van a adaptar bien a nuestro cuerpo, ni a nuestro estilo de vida. La ventaja es que cuando tenemos un buen asesoramiento podemos incluir en nuestro guardarropa prendas que nos empoderarán y con las que vamos a transmitir cualidades tanto en imagen como en belleza que nos sumen, que nos aporten y nos estilicen al máximo.

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Hollywood es un lugar extraño. No me cabe la menor duda… y si hubiera una mínima, por muy pequeña que fuera, cada cierto tiempo aparece alguna producción -ya sea un blockbuster, una película indie o producto de serie B que se encarga de recordarlo. Es el caso de Babylon.

Damien Chazelle es el director de una épica de 189 minutos y cerca de 100 millones de dólares de presupuesto, una cinta que los más sensatos categorizarían de kamikaze… y efectivamente, como esas estrellas que desaparecieron en el tránsito del mudo al sonoro, la película se ha dado una soberana castaña.

Tan solo tres nominaciones a los Oscar (ninguna de ellas relacionadas con los premios considerados tradicionalmente como top) y una recaudación que no cubre ni el gasto en transporte del becario condenan a la extremadamente arriesgada obra de Chazelle al ostracismo… ¿o tal vez con el tiempo será tratada con el respeto que realmente merece? Porque efectivamente, Babylon es una película excesiva, delirante, escatológica y repleta de clichés pero, ¿acaso no es eso, precisamente, lo que define a Hollywood?

Babylon nos cuenta la historia de la edad de oro de la industria del cine a través del auge de las nuevas estrellas del cine mudo o los anhelos de las ya consagradas -encarnadas por unos notables Margot Robbie y Brad Pitt- y también de aquellas minorías que intentaban abrirse paso entre el glamuroso desfase de los años 20 para forjarse una carrera más o menos digna, interpretadas por los bienintencionados Diego Calva y Jovan Adepo.

La fiesta orgiástica y la depravación, una constante en el Hollywood de aquellos años -y seguramente también en los actuales- que Kenneth Anger plasmó en la obra que todo buen cinéfilo debe leer Hollywood Babilonia en 1959 es la fuente de inspiración encubierta del mastodóntico guión firmado por el propio Chazelle.

Citando a El gatopardo “si queremos que todo siga como está, es necesario que todo cambie”. Y eso es lo que pasó con la llegada del sonoro… y aquellos jefazos de las majors continuaron siendo jefazos pero las estrellas del mudo que no pudieron reciclarse fueron eliminadas de la ecuación. Ya sabes: “si no das dinero no sirves para nada”. Y esa parte donde nuestros protagonistas se dan cuenta que la fiesta ha acabado es seguramente la más complicada de digerir -atención a la cruel escena entre el decadente Jack Conrad (Pitt) y la periodista de sociedad interpretada por Jean Smart- de la monumental Babylon.

La película, repleta de guiños al cinéfilo, cameos incluidos, gustará especialmente a aquellos enamorados del cine clásico. No en vano, más allá del evidente y subrayadísimo paralelismo – hardcore, eso sí- con Cantando bajo la lluvia o El crepúsculo de los dioses, la cinta tiene momentos francamente emotivos que la convierten en obligado visionado a aquellos que realmente amen el cine.

Tal vez por eso Babylon ha tenido tan poco éxito. El público prefiere invertir tres horas de su vida en la película de la sala de al lado, donde unos personajes azules tiran flechas subidos en ¿dragones? en un mundo de LSD de los que, por cierto, ni el espectador de Babylon se librará.

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– ¿Qué te llevó a convertirte en pintora escénica?
Yo no tenía ni idea de que este mundo existía [risas]. Estudié periodismo porque no creía que pudiera dedicarme al mundo del arte. Lo veía muy utópico, me parecía que para ser artista necesitaba tener un cash flow o unos padres con dinero que te pudieran mantener o echar un cable de vez en cuando y no era mi caso, me parecía imposible. Decidí ser periodista porque me gustaba escribir y viajar… y bueno, porque a los 18 años no sabes muy bien qué quieres ser. El caso es que desde siempre me gustó modelar y pintar y por eso tenía un pequeño portafolio con mi obra. Un buen día, enviando currículums mientras trabajaba de periodista, me llamaron de una empresa de escenografía de Barcelona para hacer unas construcciones para un centro comercial y fui un poco a la aventura. En Barcelona descubrí el mundo de la escenografía y con el dinero que cobré me apunté en un curso de verano de la Universidad Complutense de Madrid de artes plásticas aplicadas a la escenografía. Ahí aprendí un poco más, seguí enviando currículums y ya me salió un trabajo en una empresa de escenografía en Madrid donde estuve seis años trabajando y aprendiendo el oficio.

– Has trabajado en blockbusters de la talla de Star Wars, The Batman, Animales fantásticos, además de El laberinto del fauno entre muchas otras. ¿Cuál es el camino que hay que seguir para llegar tan alto?
Pues es difícil de explicar… creo que hay que estar un poco loco [risas]. Cuando estaba trabajando en Madrid llegó un momento en el que ya había tocado un techo. Mi primera película allí fue El laberinto del fauno (2006), que me permitió descubrir un mundo maravilloso y espectacular como es el cine de fantasía, un género que era difícil de encontrar en las producciones españolas. Años más tarde, con la llegada de la crisis, unos amigos me hablaron de la posibilidad de trabajar en Londres. Fue así fue como mi pareja y yo hicimos las maletas y en 2010 llegamos a Inglaterra. Al principio fue bastante duro… sin contactos, un nuevo idioma y una ciudad carísima… pero poco a poco empecé a conseguir pequeños trabajos como freelance que cada vez fueron más largos y llegó un momento en que empecé a trabajar en una empresa que hacía sus propios elementos de atrezzo para grandes películas. Allí me quedé un par de años y, de repente, en esa empresa entró un proyecto de la talla del Episodio VII de Star Wars. Fue un trabajo increíble. Me lo pasé genial y después de ese momento ya tuve una red de contactos… y desde entonces eso ha ido mejorando día tras día.

– Para la audiencia de a pie el mundo de las superproducciones parece algo de otro mundo. ¿Cómo es trabajar con gente del nivel de Wes Anderson, Guillermo del Toro o Tim Burton, por citar solo algunos?
Trabajar para directores como ellos es un sueño, un sueño que no me atrevía ni a soñar. Fue algo increíble que de pronto apareciera Guillermo del Toro con una película tan fantástica como El laberinto del fauno en un momento en el que yo estaba empezando a descubrir el mundo de la escenografía y que después pasara a trabajar con directores del nivel de Tim Burton o Wes Anderson, que son grandes referentes para mí… tienes que pellizcarte muchas veces a lo largo del día para recordar dónde estás y de dónde vienes. Tienes que ser muy consciente de la calidad de tu trabajo y tienes que dar lo máximo porque también puedes caer. Trabajas muchas horas y el nivel de exigencia es máximo, algo que puede acabar quemando. Tengo compañeros ingleses que comentan que si pudieran dedicarse a otra cosa jamás hubieran trabajado en este negocio. A mí me parece muy triste porque creo que hay mucha gente ahí fuera que daría un brazo por tener nuestro trabajo. Yo siempre intento mantener el entusiasmo y además intentó mantener el nivel de profesionalidad lo más alto posible.

– ¿Te acotan en exceso tu libertad creativa?
Normalmente nuestro trabajo está bastante acotado. Yo tengo un diseño previo, una visualización, un diseño conceptual que tengo que seguir, pero hay veces, al principio de una producción, que las cosas no se tienen muy claras; es el caso de las características de los acabados. Esa es mi línea de especialización. En esas situaciones te dan un poquito de manga ancha para que tú puedas aportar tu punto de vista. En The Batman (2022) cuando recibí el diseño del traje, el emblema que lleva Batman en el pecho tenía un diseño muy primitivo, muy poco detallado. Estuve haciendo pruebas físicas, diferentes test de pintura para enseñar diferentes niveles de arañazos y de degradación de metalizados hasta que se decidieron por uno. Tu superior te va guiando “tira por aquí, tira por allá” pero en este caso, sí que tuve una parte muy grande de “culpa” del diseño final. Aunque me den un trabajo muy pautado, mi trabajo es diseñar los efectos con la pintura, como por ejemplo seleccionar qué productos utilizar para que el acabado sea lo más fiel a lo que se intenta mostrar en un primer diseño.

– ¿Cuánto tiempo puede llevarte participar en una superproducción?
Puedes estar perfectamente entre seis y ocho meses a full porque tienes que empezar mes y medio o dos meses antes para coordinar todo el tema de la preproducción: hacer las pruebas de pintura, montar el taller, elegir el equipo… y luego, cuando termina el rodaje, a veces se hacen encargos desde la productora para diseñar y crear regalos para el equipo o incluso solamente regalos para vips.

– ¿Cuánta gente compone el departamento en el que trabajas?
De 70 a 150 personas trabajando solamente en el departamento de props, que incluye a la gente que recibe los diseños de los props, que los dividen en diferentes esquemas; la gente de impresión 3D que prototipan ese diseño; después los responsables de hacer los moldes, que moldea las piezas en 3D y por último los que montan y los que los pintamos… es un equipo donde cada persona tiene muy delimitada su función.

– ¿De todas las producciones que has participado, tienes alguna favorita? ¿Cuál ha sido la que más te ha entusiasmado?
El laberinto del fauno por ser la primera de mi carrera y por lo que significó para las producciones de género fantástico en España. En ella estuve esculpiendo, pintando y texturizando. Guillermo del Toro venía al taller y hablaba con nosotros directamente. Eso es algo bastante raro en las películas en las que trabajo ahora. A veces sucede, pero es muy raro que el director venga al taller donde realizamos nuestro trabajo.

También es especial Frankenweenie (2012) de Tim Burton porque fue mi primera película en Londres y apareció justo cuando estaba muy cerca de tirar la toalla y regresar a España. Un día me llamaron de una oferta de trabajo que no tenía ni idea de para qué era y cuando me dijeron que era para pintar miniaturas en Frankenweenie aluciné porque estaba a punto de marcharme y de golpe estaba en una película de Tim Burton.

Semanas después me dijeron que me habían cogido y ahí aprendí muchas cosas, sobre todo en cuanto a dinámicas de trabajo: cómo se trabaja en Londres, ese buen rollo que hay, todo el equipo trabajando juntos para conseguir que el proyecto salga adelante… Cuando hay algún problema todo el equipo aporta su grano de arena, es como una pequeña gran familia.

– ¿Prefieres pintar figuras para películas stop motion como “Isla de perros” (2018) o envejecer el Halcón Milenario?
Me gusta mucho poder variar. De repente llevas mucho tiempo pintando props y te apetece meterte en una película de animación donde el ritmo es muy diferente, donde el trabajo es muy diferente y todo lo que haces es muy diferente. Además, en esos proyectos es muy curioso porque todos los lunes hay una reunión con producción y con todos los departamentos: animadores, CGI, marionetas, decorados… el productor jefe especifica los trabajos de la semana y vemos lo que se filmó la semana anterior. Nos enseñan en tiempo real cómo la película va tomando forma, que es algo muy bonito y conmovedor.

Sin embargo, la parte de atrezzo y props me gusta mucho porque es más dinámica, pero también más estresante. No te da tiempo a aburrirte, estar siempre haciendo cosas muy diferentes. De pronto, pintas algo pequeño como puede ser un sable láser y al día siguiente te mandan al Halcón Milenario a ambientar todas las cabinas. Eso me gusta mucho y creo que yo, como pintora, me hace ser versátil y por lo tanto tener un trabajo más divertido.

– ¿Ha habido alguna producción en la que hayas dicho “vaya follón en el que me he metido”?
No me ha pasado nunca, pero reconozco que en España los ritmos de trabajo son bastante más locos. Allí viví muchas situaciones de estrés, afortunadamente muchas menos de las vividas en Londres. Creo que mi experiencia en España fue un buen entrenamiento para lo que vino después y poder así enfrentarme a retos en los que no me tembló el pulso… No, realmente nunca he tenido que enfrentarme a un trabajo en el que diga “¿madre mía, cómo salgo de esta?” Sí que es verdad que hay veces que estás en un proyecto en concreto donde te dicen que quieren un efecto determinado y estás probándolo todo para conseguirlo pero al final siempre pasa algo que, como en las películas, hace que tengas un final feliz.

– ¿Y una película en la que no has participado pero te hubiera gustado formar parte?
Me habría encantado haber formado parte del equipo de la trilogía de El señor de los anillos (2001), una de mis trilogías favoritas. Me habría encantado haber participado en películas como Bitelchús (1988) que creo que es una obra maestra. Me habría encantado haber participado en la recién estrenada Pinocho (2022) de Guillermo del Toro. Incluso ahora, cuando te llaman de un proyecto y dices “sí”, al día siguiente te llaman de otro que te flipa más, pero ya te has comprometido y piensas “¿cómo puede ser?” pero es un poco feo abandonar el barco antes de empezar… Aunque no lo parezca, esto pasa mucho.

– También has sido ilustradora de un cuento infantil. ¿Te gustaría repetir la experiencia?
Fue muy enriquecedora. Es como un plan B, por llamarlo de algún modo. Ilustré un libro titulado Peditos, pedetes y pedotes / Farts, trumps & rippers, un libro para niños bilingüe español e inglés. Fue una experiencia superinteresante que me apetecía muchísimo hacer. La disfruté un montón, pero creo que es más un hobby que algo a lo que me podría dedicar profesionalmente porque realmente ves muchas carencias, sobre todo cuando te comparas con grandes ilustradores de libros… sin embargo, si alguien me propusiera un proyecto nuevo que yo pudiera compaginar con mi trabajo, seguramente diría que sí, porque al final me va la marcha [risas].

– ¿Estás actualmente en algún proyecto del que puedas decirnos algo?
Lo estoy, pero no puedo decir nada por la cláusula de confidencialidad [risas]. Es un proyecto grandísimo y que me apetece muchísimo porque nunca he hecho ninguna película de esta temática.

– Como ya sabrás, hay un debate por el intrusismo de la inteligencia artificial en el mundo audiovisual. ¿Crees realmente que los artistas tendréis que luchar creativamente con máquinas en un futuro no muy lejano?
Es un dilema que no es la primera vez que sucede. Ahora es con la inteligencia artificial, pero hace ocho o nueve años era con la impresión 3D. La impresión 3D nos ha “robado”, entre muchas comillas, mucho trabajo, sobre todo a los escultores… pero al final nunca es tan terrible como se dice al principio. Al final se convierte en una herramienta más que tienes que aprovechar como puedas y si te afecta como profesional, tienes que reciclarte para que la herramienta sea tu aliada. El problema con la inteligencia artificial es que tiene algo que, por ejemplo, el 3D no tiene, y es que se nutre de profesionales de manera gratuita, de obras ya existentes sin pagar ningún tipo canon. Eso es algo más delicado pero, sinceramente, es como ponerle puertas al mar.

Muchas gracias Rut, te deseamos todavía más éxitos en tu carrera.

By C.Arnal and Zapping.

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